WHITE NOISE

White Noise, film straordinariamente elegante, nasce dall’adattamento del regista Noah Baumbach, di un romanzo del 1985 di Don DeLillo.

Il romanzo è a cavallo tra realismo domestico e satira speculativa. È una commedia universitaria legata a un dramma familiare e ad una serie di vicissitudini che vanno ad analizzare temi attuali oggi quanto lo erano negli anni ’80: la moda intellettuale, la follia farmacologica, la distruzione ambientale e il consumismo dilagante. Che vanno scontrarsi, dall’altro lato, con argomenti altrettanto contemporanei ma sopratutto eterni e condivisibili come l’invidia, l'amore, e la paura della morte.

Tale romanzo è stato bramato dai cineasti per quasi 40 anni, Baumbach ha avuto una grande occasione e probabilmente è riuscito nella realizzazione del suo adattamento. 

Il suo “White Noise” è credibile, fedele ed il rispetto del regista per il materiale è evidente. Il risultato è una commedia impassibile sulla catastrofizzazione, una meditazione sulla prosperità occidentale e sui suoi malumori, le sue ansie, la sua sazietà intellettuale. Il suo film amplifica non solo la ricchezza del libro come pezzo d'epoca, ma anche quanto sia preveggente riguardo alle paure dei giorni nostri e facendo accomodamenti a disagio e normalizzanti che ben si adattano alla la situazione di pandemia Covid che abbiamo vissuto.

È l’ossessione scaturita dalla crescente ubiquità delle informazioni e dell'interpretazione, la disponibilità di dati che mostrano una cosa e dati apparentemente altrettanto validi che mostrano il contrario. Questo è il rumore bianco del surrogato dei fatti: lo sfrigolio della cattiva ricezione televisiva in cui si radicano cospirazioni e notizie false. Una particolata sfocatura informe. 

“Ho deciso di adattare il libro perché volevo fare un film che fosse folle come mi sembrava il mondo. È il ritratto di un paese ma è anche la storia di una famiglia, del caos che cercano di nascondere, dei disastri che la colpiscono, del modo in cui si uniscono e sopravvivono. Come scrive DeLillo: spinti da un persistente senso di rovina su larga scala, continuiamo ad inventare la speranza.”

Noah Baumbach

Jack (Adam Driver) è la luce principale americana nel mondo della disciplina stranamente assurda degli studi su Hitler (non parla tedesco), una tecnica per decostruire l'iconografia di Hitler senza essere sopraffatti o addirittura necessariamente consapevoli del contesto tragico e orrendo. Tra le sue altre premonizioni, prevede la “fine della storia”, brevemente e modestamente celebrata in occidente con la caduta del muro di Berlino. Babette (Greta Gerwig) insegna attività motorie agli anziani e agli infermi mentre il collega di Jack, Murray Siskind (interpretato in modo buffo da Don Cheadle), spera di fare per Elvis quello che Jack ha fatto con Hitler.

Jack e Babette sono contenti in un modo a disagio, drammatizzato da visite cinematografiche consacrate dal tempo al gigantesco supermercato sognante e privo di affetti che è per inciso il sito di una sequenza di titoli di coda gloriosamente coreografata che enuncia a gran voce che potremmo continuare per sempre a comprare prodotti che non ci servono sentendoci sempre più felici. 

Ma Jack ha delle preoccupazioni. Babette ha i sintomi di quella che sembra essere una demenza ad esordio precoce: sembra anche essere dipendente da una misteriosa droga chiamata Dylar, i cui flaconi compaiono nella spazzatura. Senza Google, Jack e i suoi figli non hanno altra scelta che chiedere ai colleghi accademici e setacciare i libri di testo di medicina per scoprire cosa diavolo è "Dylar" e quali sono i suoi pericoli. (In uno stato analogo prima di YouTube, i bambini sono ossessionati dai filmati di incidenti aerei nei telegiornali, aspettando con impazienza che vengano mostrati.)

E poi accade il grande incidente: un disastro ambientale; un camion che trasporta benzina, si schianta contro un treno che trasporta rifiuti tossici volatili. La nuvola di veleno che ne risulta li induce a lasciare le loro case, un esodo che coinvolge una scena meravigliosamente surreale in cui la station wagon scivola lungo un fiume in piena.

Questo bizzarro evento espone Jack a tossine nell'aria, che scopre da fonti esasperatamente inaffidabili potrebbe ucciderlo in un paio di decenni. Vero o no, questa affermazione è stata un modo per Jack di rendersi conto che stava per morire. E anche Babette ha paura della propria morte. 

La morte è lo strato di serietà del film al di sotto della crisi del campus e della commedia coniugale; la morte è l'unica cosa reale inevitabile tra tutte le voci e le supposizioni: il film mostra i personaggi contemporaneamente spaventati dalla morte ma tenendola come l'unica garanzia di certezza nella loro vive.

Intuizioni casuali, come l'osservazione di Murray secondo cui la famiglia è l'origine della disinformazione, sono conservate come se fossero pezzi da museo in una mostra storica attentamente curata. Rendere "White Noise" un film d'epoca: l'ambientazione incredibilmente precisa degli anni '80 è opera di Jess GoncHor, lo scenografo, e Ann Roth, che ha realizzato i costumi, ne attenua inevitabilmente l'impatto. Le cose che avrebbero potuto far dimenare i lettori negli anni '80 sono avvolte dalla nostalgia nel 2022. È difficile provare terrore esistenziale guardando i supermercati, i telefoni fissi, gli annunci economici stampati e le station wagon a trazione posteriore a forma di barca.

All'interno di questo mondo, puoi vedere le nostre premonizioni, in particolare in un rifugio di evacuazione dove persone ansiose creano in effetti un prototipo IRL di Twitter, riunendosi attorno a esperti non verificati (incluso il figlio di Jack, Heinrich) e ripetendo a pappagallo la loro saggezza. Baumbach, lavorando su una scala più ampia rispetto a prima, realizza alcuni bei colpi cinematografici, ma c'è qualcosa di distaccato nel film, un susseguirsi di stati d'animo e nozioni che sono spesso piuttosto interessanti ma che non sono mai del tutto coerenti.

Con 150 milioni di design di produzione e 100 milioni di marketing, White Noise, è stato girato in pellicola 35mm anamorfico e proiettato in aspetto. Sono stati tenuti paragoni stretti con Altman e Woody Allen, come racconta lo stesso Lol Crawley (direttore della fotografia). L’approccio al reparto regia-direzione della fotografia è stato misto, mescolando idee provenienti sia da Baumbach che da Crawley. Possiamo vedere un esempio lampante nella scena in cui Adam Driver strappa maniacalmente la spazzatura, con evidente riferimento a Blow Out.

Una delle principali preoccupazioni della collaborazione con Netflix era inerente al look del prodotto finale. White Noise abbassa al minimo la terribile “lucentezza” tipica dei prodotti Netflix, per lasciare spazio ad un’estetica impressionista, pittorica e meno patinata.

White Noise resta costantemente sul filo del rasoio tra capolavoro e schifezza, tra cult e oscenità, diventando, alla fine, il rasoio stesso.

Runtime

2 hr 16 min (136 min)

Sound Mix

Dolby Digital (Dolby Amots+Vision)

Color

Color

Aspect Ratio

2.39 : 1

Camera

Arri Rental Alexa 65 (some scenes) 

Arricam LT, Cooke Anamorphic/i SF Lenses 

Arriflex 235, Cooke Anamorphic/i SF Lenses 

Arriflex 765 (some scenes)

Laboratory

Warner Bros. De Lane Lea (picture post production by)

Negative Format

35 mm (Kodak Vision3 250D 5207, Vision3 500T 5219) 

65 mm (Kodak Vision3 500T 5219) 

Codex

Cinematographic Process

/i Scope (anamorphic) (source format) 

ARRIRAW (6.5K) (source format) (some scenes) 

Arri 765 (source format) (some scenes) 

Digital Intermediate (4K) (master format) 

Spherical (source format) (some scenes) 

Super 35 (3-perf) (source format)

Printed Film Format

D-Cinema 

DCP Digital Cinema Package 

Video (UHD)

Di Alex Bernardi
01/01/23